Frances, ou comment le dessein supplante le dessin

(merci à Cambourakis pour l'image)

Ada, jeune femme seule, la trentaine vit seule chez son père, vieil homme diminué et qui commence à perdre la tête. Son frère August est mort un soir d'ivresse, laissant derrière lui une petite fille à charge : Frances. Ada va donc, par décision familiale, chercher puis recueillir sa nièce. La rencontre avec Frances, enfant directe et franche ne semble pas partie sous les meilleurs auspices. Mais peu à peu, leurs deux solitudes vont se comprendre et s'apprivoiser. Ada, maladroite mais sincère, trop seule et désemparée, d'un côté. Frances, qui refuse la mort de son père et cherche des repères de l'autre. Toutes deux sont étouffées par le regard des autres qui les jugent et les condamnent (Ada pour être une vieille fille seule, Frances pour être la fille d'un ivrogne vagabond). Cristallisant toute cette réprobation, Anne, soeur cadette d'Ada : mariée, deux enfants (deux pestes, d'ailleurs), très comme il faut bonne situation mais qui se permet de régenter la vie de sa soeur -pour son bien, évidemment. Ada, à sa manière, est "prisonnière". Elle doit rester près de son père, qu'elle a à charge et pour qui elle a sacrifié son indépendance. Frances, elle, est plus solide. Même si elle n'a pas plus de choix, elle ne s'en laisse pas conter par les autres enfants. Mais son père lui manque, d'autant qu'elle est la seule à le pleurer.

Au travers de ces thématiques de regards et de solitudes, de tentatives de vivre avec quelqu'un et de s'en rapprocher, de bien faire malgré des aspirations contraires... Frances devient le catalyseur qui va permettre à Ada de se libérer de quelques-uns de ses fantômes. L'arrivée de la jeune fille casse le carcan du quotidien de la jeune femme effacée qui doit d'abord s'accepter (notamment accepter le droit d'être attirée par les femmes) avant de pouvoir se faire accepter.

Le dessin, entièrement réalisé au crayon gris (semble-t-il) est le premier élément marquant de l'ouvrage. Marquant quand il n'est pas tout simplement choquant. Rien n'est droit, rien n'est précis, tout semble approximatif (voire est approximatif). Cette hésitation dans le trait empêche qu'il se dégage une impression de réelle maîtrise ou la sensation poétique qu'apportent parfois les représentations personnelles de la réalité. Les visages des personnages, sur dimensionnés, font fi des proportions humaines, changent d'une case à l'autre, sont parfois réalisés en quelques traits qui donnent l'impression d'être à la fois vite faits et hésitants (!). L'absence d'encrages bannit tout aplat noir dense, tout trait précis. On se retrouve donc avec des dessins qui donnent parfois l'impression d'être sales, mal travaillés (un coup de gomme, parfois, aurait pu sembler évident). Certains dessins sont, disons-le tout de suite, ignobles (et je pèse mes mots).

(une fois n'est pas coutume, je me permets une citation

- pour se faire une idée - du pire : p.9)

Ils donnent vraiment l'impression d'avoir été faits par un enfant ou par quelqu'un qui ne sait pas dessiner. Pour finir, le lettrage à la main (et toujours aspect « crayon gris ») finit de peaufiner cet aspect « pas fini » et amateur de l'ouvrage.

MAIS (et oui il y a un mais)

Mais malgré tout le mal que je viens de m'évertuer à écrire (et dont je pense le moindre mot) il y a quelque chose qui interpelle dans ce récit. Sa sensibilité, la fragilité de l'héroïne, la complicité qu'on peut éprouver avec certains personnages, la pudeur du récit... Je ne sais pas trop. L'auteur a crée en Ada un personnage très crédible, avec ses faiblesses, ses défauts, ses espoirs. Au fil de l'histoire Joanna Hellgren nous montre nombreuses facettes de cette jeune femme, n'hésitant pas à la représenter esthétiquement sous quelques aspects pas très flatteurs. Mais c'est justement cette représentation qui la rend réelle, tangible, compréhensible. Attachante. L'auteur réussit à plante un décor, des personnages, à donner au récit une atmosphère feutrée qui réussit à faire oublier les calamités graphiques. Il faut dire que sans renier ma diatribe introductive concernant le graphisme global, certaines planches font preuve d'une maîtrise et d'une qualité évidente de dessin, tout en détails et jeux ingénus de lumière, se rapprochant plus de la représentation artistique que du dessin narratif « bédévisuel » conventionnel.

Par souci d'équité, voici une autre citation qui reflète

d'autres ambiances beaucoup plus travaillées : p.37)

Signalons aussi que plus l'ouvrage avance, plus les imperfections criminelles du graphisme, qui sautent aux yeux en début d'ouvrage, se lissent (d'autant plus que le lecteur s'habitue au rendu crayon de papier) et le dessin tantôt maladroit, tantôt maniéré, se met à servir une histoire touchante, toute en finesse et riche de petits détails. Le lecteur, alors, touché tout de même par la grâce de l'ensemble, garde après avoir tourné la dernière page une impression de justesse du récit et d'une histoire chaleureuse. Tout en se demandant quand même si l'auteur sait, oui ou non, vraiment dessiner... (question rhétorique, mais elle s'impose).

HELLGREN, Joanna, Frances, épisode 1, éditions Cambourakis 2008

Du psychédélisme de certain conte pour enfants...

(merci à Dargaud pour l'image)

Je dois avoir le cœur un tantinet sensible, ou alors le regard tout attendri (voire ramolli) devant certaines bandes-dessinées. Toujours est-il que luttant à chaque visite dans une librairie contre la damnée compulsion dépensière, allant jusqu'à barrer d'une vilaine croix certains chefs d'œuvre avérés de ma liste d'achat, il arrive par la plus grande des contradictions (la nature humaine, paraît-il, en recèle d'infinies diversités) que la simple vue d'un album s'impose là où les argumentaires les mieux construits et les plus motivés échouent parfois à me décider.
Braise, avec sa couverture au visuel fluo et psychédélique, mâtinée de douceur bon-enfant façon « conte au coin du feu » rentre indubitablement dans la catégorie des « schais pas vraiment pourquoi, mais je l'ai pris ». Il faut dire que pour le coup, l'album a un graphisme plutôt impressionnant. Le dessin est exubérant, les encrages puissants se marient à merveille aux aplats de couleurs bruts, qui font penser à un visuel sérigraphique. La mise en page alterne scènes fourmillantes et plans détaillés, cadrages mouvementés et arrêts sur image presque surréalistes. Entre pages d'un mouvement incroyable et personnages très expressifs, l'univers graphique, est prenant et très cohérent. Il se dégage du dessin un enthousiasme communicatif, fruit d'un gros travail de construction comme de détail, malgré quelques petits bémols occasionnels qui jurent avec la fluidité et la souplesse de l'ensemble.
Dans cet ordre d'idée, le scénario oscille entre cases presque contemplatives, scènes d'action intenses, délires personnels de certains protagonistes, et gros plans sur les émotions. Ainsi, certaines cases, assorties de dialogues délicieusement extravagants, font irrésistiblement penser à de l'exagération théâtrale, renforçant d'autant un aspect « artificiel » et « décor ». L'histoire est ainsi toujours à la limite du réel et du fantastique, basculant d'une case à l'autre de la situation la plus terre à terre à des délires fantasmagoriques avec une espèce de simplicité si évidente que... Le grand enfant que je suis ne peut s'empêcher de la trouver un peu trop naturelle, quand même.
La trame scénaristique est classique, avec de gentils emprunts au flûtiste d'Hamelin et à Pinocchio, et nous assistons avec un groupe d'orphelins à un voyage en pays merveilleux qui se transforme petit à petit en descente aux enfers. Nous, qui avons lu les références sus-citées, savions bien que ça tournerait mal (pas fous, les bédéphiles). Mais on se trouve tout curieux, quand même, quand aux modalités pratiques de l'affaire, surtout que l'univers développé est riche de personnages et de complexité.
Mais trop de choses en même temps, trop de questions en suspens, trop de changements, globalement trop décousu. On peut dire que cet album est généreux, riche jusqu'à un presque écœurement, pour au final nous laisser à la 46ème planche un peu au même point qu'au départ. La narration dense, mettant en scène de nombreux points de vue, aurait mérité un nombre de pages beaucoup plus conséquent, histoire de donner plus de corps à l'impression d'enfermement et d'étouffement que distille tout l'ouvrage. Au final, à avoir côtoyé les héros de trop près, on en perd la vision d'ensemble, et il devient difficile de faire la part des choses. Ainsi Braise, le Monsieur Loyal de ce cirque macabre et étrange alterne-t-il entre cynisme, mégalomanie et guimauve sentimentale donnant l'impression d'être un agglomérat de plusieurs personnalités, la folie en moins. Le glissement de la réalité vers l'étrange, pourtant bien préparé et globalement bien mis en œuvre souffre de ces petits détails et de quelques personnages parfois trop rapidement évoqués puis oubliés. Il en résulte que ce monde de cauchemar ne donne pas l'impression d'avoir une « texture » allant au-delà de la scène en cours. On prend alors conscience de l'absence d'un fil conducteur qui manque à relier les différentes scènes, d'où un léger flottement. Dommage !

Sous ses airs de conte pour enfants, « Braise » nous propose une immersion dans un monde souterrain glauque et monstrueux. Las ! La part des choses n'est pas toujours facile à faire : la narration, tantôt enfantine, tantôt démesurément obscure (mais pourquoi donc crache-t-il des rats !?) laisse sur des sentiments mitigés. Mais si pour l'instant trop de pièces du puzzle semblent encore éparpillées ça et là, il faut bien reconnaître que la lecture page par page, sur le moment, réserve beaucoup de bons moments dans lesquels la mise en scène et la narration (surtout graphique) méritent d'être salués bien bas.

BOUTON & FORTIER, Braise, tome 1 : Maman vous aime, collection Poisson Pilote, Dargaud

Parlons peu, parlons bien : l'homo sentimentalis existe bien - démonstration

(Merci à La Boîte à Bulles pour l'image)

Max est seul. Max laisse son esprit vagabonder dans la grande ville de Marseille. Il vit, ressent avec son cœur, rationalise - ou pas. Et puis il aime. Même si cette histoire ne finit pas bien. Elle fait partie de lui, et il continue à vivre, à arpenter son quotidien, à chanter, dessiner... pour surmonter tout ça.

Question scénario, pas vraiment d'action, pas d'intrigue haletante... Non, juste un quotidien plein de petits bonheurs, d'espérances, de doutes, d'émotions. Il se lit vite, ce quotidien, un peu façon « blog », mais il est si beau à regarder ! Plein d'humour, de bon sens, de ressenti qui sonne bigrement « vrai », le tout splendidement mis en image.

Le trait est simple, efficace, stylisé mais sans outrance. Des lignes tout en rondeurs tendres, chaleureuses ou espiègles, ou au contraire en grossiers coups de pinceau qui incarnent le doute et la détresse. Pas de surabondance de détails non plus : on va à l'essentiel. L'auteur se sert des couleurs avec parcimonie, mais avec un rare impact. Par le héros, l'auteur nous entraîne dans une errance poétique, très (trop) personnelle pour qu'on puisse se l'accaparer (et tant mieux, on a tous assez de "litost" en soi), mais qui met en jeu des sentiments que l'on ne peut s'empêcher de ressentir. La narration de ces sentiments et petits faits surpris au jour le jour n'est cependant pas pesante. Au contraire, on semble parfois glisser au travers de ces évènements mis en image de façon poétique et subjective, symbolique, tendre ou percutante. Le texte, narratif ou dialogues, semble parfois s'échapper dans les cases pour leur donner une autre dimension. Au final, une histoire «qui ne fait que passer », mais qu'on accompagne de l'intérieur.

On se fait facilement happer au fil des pages dans une balade en compagnie de soi-même, lorsque Max nous prend par la main pour nous raconter sa vision de la vie. Une belle vision, ma foi, et dont on ne perd pas le fil, tout en prenant un grand plaisir simple à la savourer. Tout simplement réconfortant de justesse, de sensibilité et d'expressivité.

DOMAS, Litost, La boîte à bulles, collection Contre cœur, 2008

Sous le quotidien, les êtres...

(Merci à Kana pour l'image)

Kanaé est une jeune femme gérante de bains publics. Elle s'occupait jusqu'à il y a peu de faire tourner son établissement avec son mari et sa tante. Mais son mari a brusquement disparu lors d'un voyage. Sans explication. Sans signe précurseur. Sans laisser de trace... Et c'est toute une partie de la vie de Kanaé qui s'effondre. La jeune femme, désemparée, ne parvient pas à combler le vide laissé par ce départ. Elle se remet en cause, cherche des « pourquoi ? », s'abîme dans un enfer sans issue. Elle tente de se raccrocher à son travail, mais il est plutôt éprouvant de tenir à deux un établissement, bien qu'il soit plébiscité par la clientèle. Kanaé va donc se trouver au bord du point de rupture jusqu'au jour où un jeune homme, Monsieur Hori, propose son aide, recommandé par le syndicat des bains. Son travail et sa présence ramènent un équilibre où il n'y en avait plus, la situation se stabilise. Kanaé peut alors vraiment commencer à se reconstruire. Aidée par une amie, un détective plutôt bizarre engagé pour retrouver le mari, un insupportable Grand-Père Sabu, elle commence sans même s'en rendre compte à arpenter la voie qui mène à la compréhension. De soi, d'abord.

Vous cherchez de l'action, de l'héroïsme, de la gloire, des histoires sordides de coucheries ou de haines passionnelles ? Passez votre chemin. Il n'y a rien de tout ça, ici. Juste le quotidien de quelques personnages qui jouent tous une espèce de pièce de théâtre de la vie, portent des masques, se cachent par peur de se perdre ou de perdre l'estime des autres. Ils agissent ainsi pour tromper le poids écrasant de la vie quand on est seul.

Mais alors, c'est une bd de prise de tête, me direz-vous ? Et bien non. Plutôt comme une enquête dans laquelle les faits n'ont pas vraiment d'importance, mais où les mobiles s'échappent, s'enfuient, et rendent, de fait, les situations insupportables. Beaucoup de sensibilité dans les personnages remarquables de justesse, sans héroïsme ni angélisme. Tout est sous-jacent (Undercurrent signifie : « courant profond, sous-jacent »), et la pudeur du récit rend chaque personnalité crédible et très attachante. Mais si le récit évoque avec efficience l'intériorité des « héros », il sait aussi proposer en alternance des scènes ponctuelles d'humour, de tension dramatique et de suspense. La société qui entoure les personnages trouve un écho subtil dans l'histoire au fil de quelques situations et détails d'arrière plan. Le poids que peut acquérir le cadre social (médias, entourage, faits de société) sur une personne en situation de faiblesse devient tangible par le sens qu'il se crée, les jugements sociaux qui ressortent de la multitude de détails anodins qu'on ne remarque normalement pas, mais qui prennent une toute autre ampleur dans un esprit perdu et en quête de réponses.

La narration reste dans la majeure partie de l'ouvrage calme, mais jamais pesante. Les dessins aériens, fins et expressifs, confèrent une grande force d'expression aux personnes et aux visages, mais donnent aussi un regard simple et presque attendri sur les décors. Les désespoirs intérieurs sont ainsi tempérés par un environnement (les bains publics, en l'occurrence) plutôt chaleureux et rassurant. Cependant, les cadrages et la composition des planches confèrent parfois au récit une espèce d'apesanteur, une impression de temps suspendu qui donnent une profondeur sensible à l'intériorité des personnages. Le vide d'action « apparent » de l'histoire se retrouve largement comblé par les présences très fortes des personnages, renforcées par petites touches discrètes. Ainsi les gestes et positions corporelles, très naturelles, révèlent beaucoup de l'état d'esprit des intervenants, les cadrages tantôt intimistes, tantôt contemplatifs ou pétris d'action changent le rythme du récit qui gagne en dynamisme, les regards se font fenêtres impénétrables sur les âmes.

Pour finir : voici un manga qui va à contre-courant de tous les poncifs et préjugés liés aux mangas. Au travers de thématiques graves (la disparition, le suicide), des personnages sont esquissés et réussissent avec brio à peupler les 300 pages de cette BD qui va bien au-delà de la simple narration de la vie quotidienne et qui affiche, ma foi, une belle profondeur comme un très agréable rythme de lecture.

TOYODA, Tetsuya, Undercurrent, collection Made In, éditions Kana

Au menu du Prix Lycéens PACA : les Funérailles de Luce

(merci à Vents d'Ouest pour l'image)

Les funérailles de Luce ? C'est quoi ce titre alambiqué, obscur, hermétique ? Qui c'est qu'on enterre ? Et puis d'abord, c'est qui, Luce ?

Et bien nous voici face à face à un album qui raconte une tranche de vie, perçue par une enfant : Luce. Cette petite fille a deux particularités qui la rendent unique en son genre. La première est un chapeau incroyable, visible sur la couverture, et qui défie la mode la plus avant-gardiste qui soit. La deuxième est à peine moins étonnante : Luce peut voir la mort (oui, oui, celle qui vient recueillir les âmes des trépassés...) se balader dans la rue. Et je peux vous assurer que ce n'est pas le genre de vision qu'on peut facilement appréhender lorsqu'on est encore un petit enfant.

Avec un trait rapide, Benoît Springer croque des personnages sur le vif, et plante des décors vivants et loins d'être figés. Le style des de l'ensemble est réaliste, même si au niveau des visages, l'expressivité et les sentiments sont privilégiés, confinant parfois à la caricature. L'utilisation d'un pinceau vif et presque sec pour réaliser les zones d'ombres crée de multiples nuances de gris à la limite de paraître « brouillonnes », mais qui contrastent avec certains aplats réellement noirs rares, mais significatifs. Sur l'ensemble de l'album, le graphisme porte plutôt sur la simplicité et le dépouillement, privilégiant la clarté et la force du message narratif à la surcharge d'informations. Ainsi, peu de cases sembleront « léchées » jusque dans les plus petits détails mais toutes apportent du mouvement et de l'animation. Exceptions qui confirment la règle, certaines cases tranchent sur le reste et sont complètement figées, p. 68-70, lorsque Luce est confrontée à la mort.

Le format des planches, un gaufrier à six cases très rarement interrompu (et jamais de manière anodine) impose un cadre strict et sobre au récit. Mais l'alternance régulière entre cadrages larges et très gros plans réussit à donner un ton intimiste à l'histoire, et à nous mettre « au niveau » de l'héroïne encore dans l'enfance. Sinon, des plans moyens nous positionnent en spectateurs d'un quotidien globalement heureux quoique sans grandes aventures. Certaines séquences en plans fixes imposent parfois une sensation de lourdeur dans le rythme narratif, une impressipn de pesanteur teintée de solitude presque palpable.

Au niveau du scénario, l'auteur réussit à nous transmettre une très sincère impression de vécu par l'évocation de certains décors pleins de réalisme et de vie, comme dessinés sur place. On s'implique très facilement dans l'histoire via ces ambiances simples (le jardinage auprès du grand père, le marché, le bistrot ou l'intérieur désuet d'une personne âgée). D'autre part, l'auteur aborde avec pudeur des sujets lourds ou réels mais rarement évoqués, mais sans censure. Ainsi, le suicide lié à la solitude ou encore l'amour entre personnes âgées sont présents, éléments essentiels à la trame du récit. Ces représentations du quotidien au ton juste et sans fioriture offrent un contraste d'autant plus saisissant qu'il est inattendu avec les « visions » de la mort qui s'imposent à Luce. Rien de stéréotypé dans la représentation qu'elle se fait du phénomène ; au contraire, des images qui ne cadrent pas avec le contexte, simples mais étranges (très métaphoriques et hautement symbolique). Une impression de « pouvoir paranormal » que possèderait Luce se renforce lorsque sa vision de la mort intervient indépendamment de sa présence : nous assistons à des faits qui se déroulent dans l'intimité de l'histoire, seuls spectateurs des événement avec les images de la Mort vue par Luce. C'est là le seul couac narratif de l'ouvrage, mais il fallait bien représenter la Mort de manière cohérente tout au long du récit, sous peine de perdre les lecteurs. Autant le dire tout de suite : la piste des supers-pouvoirs, relève juste de la licence narrative, et est de toute manière anecdotique. Le sujet de l'album est plus la psychologie d'une enfant face à des évènements qui la dépassent qu'une certaine « spectacularisation » de la mort. Mort qui, comme nous le démontre brillamment cette bande-dessinée est avant tout l'absence d'une présence autrefois vivante (et donc l'apprentissage de l'intolérable de cette absence), et pas seulement l'arrêt de la vie.

A noter (spoiler ! que ceux qui n'ont pas pris un petit peu de leur temps pour découvrir ce merveilleux ouvrage passent leur chemin - sous réserve de se voir gâcher l'immense plaisir de la découverte au profit d'un savoir qu'ils auraient pu acquérir eux-même et ce de manière gratifiante) :

1. Les deux seules planches ne disposant qu'une seule case sont celles de la première et la dernière vision de la mort par Luce dans l'album. La première case (qui occupe toute la planche) est la vision enfantine d'un concept personnifié par l'héroïne. La dernière case, taille standard mais centrée dans la planche est la vision « adulte » d'une mort abstraite mais qui a un impact beaucoup plus intime et réel sur la vie. De par son format, elle se conforme à l'ensemble du récit. Cette image-là nous est, malheureusement, beaucoup plus familière...
2. On peut relever le rôle joué par la coccinelle, précédent la première vision de la mort au marché, puis sur le trottoir avant la scène finale : d'observatrice, Luce est devenue partie prenante. Inconsciemment, elle sait qu'elle n'a pas le pouvoir de refuser que les évènements suivent leur cours...
3. La mort apparaît sous ses trois aspects : mort naturelle, suicide et accidentelle.
4. Trois générations très marquées sont présentes dans l'ouvrage : Luce, seule représentante des enfants. La génération des grands-parents (souvenir d'enfance de l'auteur ?) omniprésente et très concernée par la thématique de l'ouvrage. Et la génération de l'auteur (dans la réalité) : les adultes/jeunes adultes, remarquablement absents et spectateurs, comme trop occupés par la vie, et qui n'ont pas le temps de s'attardant auprès de leurs parents (en attente de leur mort ?). On peut s'interroger sur l'aspect autobiographique de l'ouvrage, et quelle part l'auteur a placé de lui-même par souvenir, vécu ou projection, dans chacune de ces générations.

Que dire en conclusion de cet album ? Et bien que la BD est décidément un univers riche et foisonnant, et qu'il serait vraiment dommage, sous prétexte de dessin pas forcément commercial ou de sujet à priori pas super-motivant de passer à côté de ce récit poignant et intelligent, hors des sentiers battus. A découvrir, de toute façon.

Benoît SPRINGER, Les Funérailles de Luce, collection Integra, Editions Vents d'Ouest

Les supers héros sont de retour ?

(merci au site officiel US du comics pour l'image)

Voici un comics comme j'aurais aimé en avoir lu plus tôt... Ça aurait peut-être changé radicalement la composition de ma bibliothèque. Nous y trouvons, servis par un dessin « classique » mais tout de même plein d'inventivité (je pense en particulier aux onomatopées), des histoires de super-héros qui oublient de tomber dans la facilité des supers-pouvoirs, avec juste ce qu'il faut de parodie du genre, et un univers à la fois bourré d'action, de stéréotypes bien rassurants et remarquable d'originalité.

L'héroïne centrale est une gamine de douze ans, rendue teigneuse par sa situation (précaire) d'orpheline SDF, et qui est à la fois inséparable de son skate et imbattable en arts martiaux. Les ninjas qui pullulent dans son quartier l'ont d'ailleurs appris à leurs dépens. Street Angel répond à tous quand il s'agit de sauver le monde : au maire, à l'ex super-héros « Afrodisiac » (ça ne s'invente pas) et même à Jésus quand il s'agit de réduire à l'impuissance de vils satanistes. Mais tout ce beau monde sait aussi l'oublier et la laisser retomber dans sa misère une fois que les situations sont réglées. Street Angel, résolument invincible et fondamentalement du côté du bien, n'en reste pas moins une pré-ado livrée à elle-même, très débrouillarde et pleine de bon sens, mais à qui la société a volé son enfance. Elle en manque cruellement de repères et d'affection. Et on peut comprendre pourquoi ! En effet, si l'ensemble de l'ouvrage est globalement bourré d'action et génialement délirant, certaines planches et réparties sont d'une noirceur et d'un cynisme frappants.
Les auteurs ne s'interdisent rien dans les scénarios : ironie, humour grinçant, failles spatio-temporelles, délires ninjas... toute une galerie de personnages complètement improbables voire incongrus côtoient des situations très réalistes du quotidien (SDF, Absentéisme au collège, faim au quotidien...). Le contraste est ainsi encore plus flagrant entre les aventures « pulp » et fantastiques de la super-héroïne et le contexte parfois misérable et terre à terre dans lesquelles elles se déroulent.
L'ensemble forme une succession de petites histoires relativement courtes (pas plus d'une trentaine de pages chacune) mais toujours choc qui à chaque fois font intervenir de nouveaux personnages. La galerie de méchants qui en découle est peuplée d'êtres, chacun représentatif d'une facette du mal incarné en l'homme (avidité, jalousie, puritanisme, duplicité, hypocrisie, stupidité...). Mais, pour autant, les auteurs ne livrent jamais de jugements manichéens (le lecteur saura cependant faire par lui-même la part des choses). D'ailleurs, si on y regarde de plus près, le mal s'en sort parfois plutôt bien... Voici qui ajoute un petit côté réaliste à l'histoire, d'ailleurs. Dans ces histoires, Street Angel et son acolyte occasionnel Bald Eagle -chauve, sans jambes, avec un seul bras et skateur- sont, avec le stéréotype « ninja », les seuls personnages récurrents. Cette absence de méchant absolu et d'histoires plus longues et plus construites empêche de percevoir Street Angel comme un personnage aux aventures réellement épiques et au caractère bien défini. Ici, elle semble plutôt suivre son instinct et réagir dans l'instant, tout comme elle vit : au jour le jour. Les auteurs ne prétendent d'ailleurs pas se conformer à un genre bien défini, et préfèrent balayer les thématiques comme les mises en page, changeant le rythme de la narration et le ton de chaque histoire (mention spéciale à la scène de combat des pages 176-177 : il fallait oser le faire) tout en gardant un indéniable style graphique qui confère une réelle unité à l'ensemble. Le tout est, il faut le dire, très réjouissant, agréable à lire et souvent moins léger qu'il n'y paraît. Que du bonheur !

Jim RUGG & Brian MARUCA, Street Angel, Editions Le Lézard Noir

Lorsque nous irons dans l'espace...

Apprenant la visite à notre bô festival l'Angoulême de Makoto Yukimura (aargh, mais pourquoi j'ai pas pu y aller !?), ne n'ai pas pu résister à l'envie de relire l'un des plus beaux mangas de science fiction qui ait eu le bon goût de parvenir jusqu'en France : Planètes. C'est un vieux manga, me direz-vous (2005 pour le tome 4) et la générosité de l'éditeur (Génération Comics) ne va pas jusqu'à proposer encore le tome 1 à la vente... Certes, mais cela n'enlève rien à ses pléthoriques qualités ! (en toute objectivité, bien évidemment)

(merci à coinbd.com pour l'image)

2074. L'humanité s'est installée dans l'espace proche de la Terre pour exploiter les ressources spatiales. Des bases ont été installées sur la Lune, de grandes stations spatiales gravitent autour de notre planète. Mais ce regain d'activité génère aussi de très nombreux débris qui menacent la sécurité des véhicules en orbite. Aussi des équipes d'éboueurs du ciel tentent-elles de ramasser le maximum de déchets afin de rendre au vide intersidéral sa définition première. Dans ce manga de Science-Fiction remarquablement ficelé, Makoto Yukimura nous fait partager le quotidien d'une de ces équipes. Mais qu'on ne s'y trompe pas : ici, pas de grands défis, de super-pouvoirs ou de sauvetage de l'humanité... Non ; confrontés à l'espace et à une tâche sans fin, nos héros touchent du doigt les limites de leur humanité. Chaque membre de ce trio improbable de nettoyeurs du ciel peuple l'infini qui l'entoure de ses propres rêves, illusions, besoins, peurs. Et c'est bien là tout l'intérêt de l'ouvrage : prenant part dans un futur relativement proche (enfin, m'étonnerais que je le voie, tout de même) nous lisons ici des histoires de cosmonautes (normal, me direz-vous), de terroristes, de fumeurs (dans l'espace !?), de famille, de maladie. L'auteur utilise à merveille l'originalité et le dépaysement d'une société spatiale, sans en abuser, et en restant toujours plausible dans ses propos. Il n'omet pas d'ajouter par moment un petit côté comique que adoucit considérablement la dureté et la rigueur du cadre choisi. Partant de là, il explore les motivations de chacun, recherche le sens derrière le quotidien de des cosmonautes comme de leur famille terrienne. Le dessin sobre et efficace, qui allie réalisme des détails avec expressivité des personnages, est tout entier au service d'une narration plutôt intimiste de l'espace, centrée tour à tour sur chacun des héros. Le contexte politique, les péripéties du quotidien forgent des personnalités mises à nu ou soigneusement composées. Car en fin de compte, on ne trouve dans l'espace, comme partout, que ce qu'on y apporte : soi-même.
Les trois tomes suivants de cette série finie qui en comporte quatre continuent d'explorer les méandres de l'âme humaine, de l'obsession de celui qui abandonne toute humanité pour réussir à celle qui doit ré-apprivoiser son fils après une trop longue absence dans l'espace, en passant par la recherche de soi-même. Sans oublier en thème récurrent la prise en compte de l'importance que peuvent revêtir les sentiments (l'amour) face aux limites des certitudes qu'offre la science... Adossées à un scénario global bien réfléchi d'exploration spatiales et d'enjeux politiques, ces plans rapprochés privilégient l'action et le sentiment au dramatique comme vérité de l'action et sont autant de trames qui familiarisent le lecteur avec l'idée de l'espace. Il ne faut donc pas chercher de suspense insoutenable, de tragédies horribles ou de missions insurmontables. Au contraire, le rythme de narration présente les faits avec un certain fatalisme. Et si les personnages agissent de toutes leurs forces pour avancer vers leurs rêves, ils n'en expérimentent pas moins sans ménagement leurs limites. C'est ainsi que peu à peu, et certains diront que c'est là un défaut de cet excellent manga, le contexte politique et matériel de l'histoire se vide vers la fin de son importance pour basculer en conclusion sur une fable humaine et philosophique, ouverte à toutes les explorations.

Makoto YUKIMURA, Planètes, Génération Comics

Mais qui est donc la Grenouille Noire !?

(Merci à Ankama pour l'image)

Voici une œuvre bizarre. Pas sur la forme, non. découpage minimaliste et efficace (bien servi par le petit format qui privilégie une lecture page par page plutôt que planche par planche) , graphisme tout en aplats de noirs et trames grossières (un peu comme un journal vu à la loupe, en plus sombre), avec des formes esquissées, sans abus de détail. Juste des masses expressives au service de la narration. Sur la narration, puisqu'on en parle, et bien au fond, rien de non plus révolutionnaire : une trame scénaristique maîtrisée (une autobiographie égocentrée avec introspection autocritique sans concession). Mais alors, en quoi c'est bizarre ?

Et bien dans le rythme. On commence, et puis sans s'en rendre compte, on se retrouve cent, deux cent, trois cent pages plus tard (faut le faire, quand même) à suivre le récit d'un gars dont on ne connaît pas le nom (Igor ? de Reims, de Normandie, du Sud de la France ?) qui nous raconte sa vie avec un savant sens de la mise en scène, de l'exagération, de l'ironie et du flash back... sans qu'on sache vraiment si c'est du lard ou du cochon, sans savoir si le fantasme créatif n'a pas au fil d'une page poignardé dans le dos le pacte autobiographique pour une savoureuse digression impromptue (ou un dérapage irréversible en terra fictionata ?).

Là, je peux commencer à résumer l'histoire : un trentenaire raconte son angoisse de la page blanche et son mal-vivre de l'improduction graphique qu'elle entraîne. Glissement subtil vers la jeunesse rebelle dudit auteur. Ses tentatives avortées pour sortir un album chez Delcourt (malgré le soutien d'un monsieur nommé Caza). L'expérience « à la dure » de l'empapaoutage d'illustrateurs (côté illustrateur) pour un projet foireux de cédérom vernien. L'orientation vers la conception graphique dans une boîte de prod londonienne. Et puis après... c'est un peu moins facile à suivre : vient Mister # 84, grand ami et partenaire de délire(s) et l'époque de la conception de projets artistiques et commerciaux aux States. Pour enfin arriver dans les milieux de la diffusion et de la communauté virtuelle online (n'oublions pas que l'ouvrage a été publié au rythme de dix pages par jour sur Internet), avec une conclusion épique où l'auteur se remet gentiment en place, et un bonus d'illustrations en couleurs qui croquent le personnage. Alors, qu'en penser ? Que c'est bizarre.

Ceci dit, on n'en attendait pas moins d'une grenouille noire. Et puis le temps de la lecture de ce carnet, il faut reconnaître qu'on a quand même bien été entraîné, un peu comme dans un délirium très rêve : toujours droit devant, avec panache et petits soucis. Tiens, je crois que je prendrais la suite, pour voir...

La Grenouille Noire, Conscient de vacuité, éditions Café Salé (CFSL Ink, filiale d'Ankama)

PS : C'est quand même gros, cette autobiographie, mais on a bien envie d'y croire. Ah, cartésianisme, quand tu nous tiens... Que ne nous fais-tu pas douter ! Donc, pour approfondir la chose et vous faire votre propre idée : googlez donc Igor Alban-Chevalier...

L'art graphique révèle parfois des onirismes eschatologiques surprenants...

(merci à BDnet pour l'image)

New York. Dans un univers ébauché dans les ombres des cases en carte à gratter, les dessous de la ville apparaissent, sordides. Abrutissement, petits et grands drames. Vanité de la vie, sous une pluie battante de malheurs et de déconvenues. Un travailleur vomi des entrailles du métro voit la porte de son usine fermée. Plus de travail. Il se perd dans une ville fantôme, sans repère. Rentre chez lui : avis d'expulsion. Plus de maison. L'errance jusque là maîtrisée devient chute libre sans filet. Droit devant soi, défragmentée, de petits gestes significatifs en délires intérieurs insensés, dans une spirale graphique qui alterne les formats de case, les plans et les symboles. Le héros, sans réel visage, qui perd de sa substance au point de laisser apparaître son squelette nage dans la déliquescence d'une ville toute en architectures brutes et en paysages noyés par un déluge perpétuel. Retour quelque part. Dans une cahute en lambeaux, avec pour tout mobilier une planche à dessin, un toit qui fuit, et avec un chat noir qui attend. Le dessinateur s'installe. Raconte une histoire bleue de froid et d'indifférence, celle d'une lutte perdue d'avance. Pris par son œuvre, immobile et dénonçant tout ce qu'il a vu et qu'il a sur le cœur, il est rattrapé par le déluge, l'eau qui monte, et qui engloutit tout. Jeté dehors, dans l'immensité submergée, il est rattrapé par la mort, sous forme de jugement divin.

Vision onirique et sans concession d'une société individualiste, dans laquelle les personnages sont broyés autant par leur solitude que par le comportement aveugle des groupes humains jouets des impératifs commerciaux et économiques de certains. Voyage mystique dans ce miroir aux alouettes qui fascine, capture, et anéantit sans concession les personnes affaiblies comme les autres, et qui court à sa perte, par la perte de son essence humaine, qui voue la société matérielle à disparaître, faute de nouveaux destins à croquer. Un roman graphique, c'est vrai. D'une rare intensité et d'un pessimisme violent, qui raconte en une image, et qui juxtapose mille histoires, pour ceux qui laissent leurs yeux regarder. Le lecteur peut avoir l'impression d'être pris dans un tourbillon, piégé par une non-intrigue qui le dépasse, tout en encaissant de front des messages plus primaires, à froid. C'est vrai que c'est d'abord une histoire qu'on ressent, avant de ne pas la comprendre vraiment (faute de références New-Yorkaises ?) Mais c'est un voyage effréné qui ne laisse pas indifférent, et une belle réalisation graphique, qui au final, a bien un message à faire passer : fenêtre ouverte sur notre univers. Attention à ne pas tomber...

PS : la couverture, pour intéressante qu'elle soit, ne reflète pas le côté « brut », narratif et graphique de l'ouvrage. Préférez ouvrir l'ouvrage au hasard et plonger dans une case, d'apparence simple, mais d'une profondeur étonnante.

DROOKER, Eric, Flood ! Un roman graphique, Editions Tanibis, 2009